🏒 Musée Des Beaux Arts Tours Son Et Lumière

En1922, son Marché au Maroc (Tours, musée des Beaux-Arts) se voit attribuer une médaille d’or. Malgré ces succès et la protection d’Edmond de Rothschild, l’artiste connaît des difficultés matérielles, puisqu’il perçoit des secours en 1910, en 1914 et en 1916, ainsi qu’une allocation de guerre jusqu’en 1919. Bien que domicilié à Paris, il est actif sur la scène

Les visiteurs qui se pressent pour découvrir le redéploiement de la collection permanente du Musée national des beaux-arts du Québec sont d’entrée de jeu saisis, sans savoir pourquoi. On s’arrête avant même l’arrivée aux salles de l’exposition 350 ans de pratiques artistiques du Québec. La collection occupe désormais cinq des sept salles du pavillon Gérard-Morisset, prenant pour point de départ historique la Nouvelle-France. Les 700 œuvres aujourd’hui exposées regroupent peintures et sculptures, jouxtant des pièces d’orfèvrerie superbes, de mobilier et d’arts graphiques et photographiques qui élargissent le champ de la créativité. Parmi ces pièces, 400 sont nouvellement sorties des réserves, ajoutées aux pièces connues souvent exposées et reproduites, augmentant ainsi le nombre des artistes reconnus – plus de 250 –, qui seront ainsi moins méconnus. La surprise vient du fait que le vieux » bâtiment de 1933 demeure tel quel, métamorphosé cependant par l’afflux de lumière extérieure. Des pans de murs ont été abolis, remplacés par de grands panneaux de verre, ouverts aux variations du jour boréal sur le paysage urbain. Plus qu’un modeste redéploiement », il y a transformation sur le plan architectural et dans l’approche muséologique. Le lien visuel avec le pavillon Pierre Lassonde et l’église Saint-Dominique, visibles depuis un confortable salon aménagé pour la consultation des catalogues, est particulièrement réussi. Le concept général privilégie une approche décloisonnée qui déborde des sentiers battus de l’histoire de l’art une ouverture sur la simultanéité des courants artistiques, qui s’entrecroisent au lieu de suivre linéairement une chronologie artificiellement découpée dans chaque discipline. Consacrée à l’émergence de la modernité au cours de la première moitié du 20e siècle, la salle 4, sur laquelle j’ai concentré mon attention, est remarquable par la mise en espace de tableaux, d’objets, de dessins, de photographies et de documents dans des vitrines dont certaines s’éclairent à l’approche du regardant. De l’impeccable blancheur des murs et de la transparence lumineuse des stèles en suspension, des parois et des vitrines qui reposent sur des pattes quasi invisibles, émane une impression de légèreté flottante, malgré le nombre d’œuvres, qui s’avoisinent sans s’occulter. Une ingénieuse structuration de l’espace, selon des diagonales, permet la vision à distance, avec recul. L’approche de la salle 4 se distingue de celle, frontale, qui caractérise plus classiquement les autres salles Ce sont deux perspectives transversales qui organisent la salle en zones distinctes, mais communicantes, car les artistes sont nombreux à se voir représentés dans plusieurs sections. […] La déambulation se veut libre à la manière d’une dérive entre rues et espaces intérieurs1. » Sans souci de catégorie ou de chronologie des œuvres quitte à y revenir pour un second parcours, le regardant se laisse attirer où va son plaisir, par telle juxtaposition inhabituelle, telle harmonie ou discordance de l’accrochage, telle œuvre inconnue, ou cette autre qui, tel[s] les sorciers et les magnétiseurs, projette sa pensée à distance2 ». Un spectacle dans le spectacle consiste, assis sur un banc, à regarder le cheminement des arrivants dans la salle… Une balade aléatoire La section dévolue au portrait captive le visiteur, le regard du modèle direct, baissé, de biais, etc. étant toujours sémiotiquement un point fort de l’image. Sur une cimaise ajoutée en diagonale, un alignement juxtapose à des portraits célèbres de Lilias Newton, Alfred Pellan et Jori Smith, l’Autoportrait au chat de Mimi Parent, presque naïf. On regrette l’absence de la vraie naïve de Charlevoix, Simone Mary Bouchard. Dans les années 1940, on exposait ses œuvres avec celles des artistes modernes. Solide, au contour nettement découpé sur fond de bleu turquoise intense, Paul, Trappeur vers 1929, par Edwin Holgate, côtoie le portrait tout en délicatesse diaphane du père Couturier, peint par Louise Gadbois 1941. Ces deux artistes, bien que différents de style, ont été maître et élève, ce par quoi leur rapprochement se justifie. Un grand tableau de Suzanne Duquet intrigue Groupe 1941 rassemble trois femmes assises, oisives, modèles en tenue d’intérieur, et elle-même, debout au chevalet, palette en main, dallure très masculine par ses mains, son visage, son costume. Il y a là une dénonciation du rôle dévolu à la femme à l’époque, selon l’idée dominante que l’artiste ne peut être que mâle et viril la critique des années 1940 en témoigne abondamment. Il n’empêche que le nombre de femmes peintres augmente, comme le prouve le Groupe du Beaver Hall où les hommes sont minoritaires. Randolph Hewton, l’un des deux fondateurs du groupe avec Holgate, signe vers 1929 un morceau de peinture », Rêverie, d’un coloris admirable. De la Société d’art contemporain fondée par John Lyman, Marian Scott se distingue dès 1939 par son Crocus semi-abstrait, accroché dans une reconstitution d’aménagement intérieur art déco avec coiffeuse et pouf Robert Blatter, 1930, et torchère d’Omer Parent. Plus tardive, La Fontaine Aréthuse 1957 d’Albert Dumouchel offre un bon voisinage, tout en courbes, en contraste voulu avec Ville 1948 de Fritz Brandtner – artiste encore trop méconnu –, abstraction géométrique aux lignes droites et aux volumes verticaux. Comme le portrait, la nature morte et le paysage sont des descendants de la grande peinture » à sujets historiques ou religieux des siècles précédents. Grâce aux vies tranquilles » expression qui serait la traduction littérale du terme stilleven en néerlandais, still lifes en anglais, la déambulation ménage des pauses visuelles qui rendent hommage à la liberté d’improvisation des artistes, à l’audace de leur expérimentation. Des natures mortes distantes dans l’accrochage se rapprochent par leur structuration et leur palette colorée. La gouache de Paul-Émile Borduas, Abstraction 37 1942, décalque abstraitement les contours d’un plat de fruits sur une table avec nappe, sujet figuratif également traité par Simone Aubry-Beaulieu en 1946. La Nature morte à la bouteille et aux cerises de Paul-Vanier Beaulieu 1951 est plus plasticienne et fait regretter l’absence d’une gouache abstraite de son frère, le peintre Louis Jaque. Des griottes sont jetées parmi les Fleurs et dominos 1940 de la composition synthétique de Pellan, matissien et cubiste à son retour de France. Il se réapproprie son pays par de joyeux clichés de vacances dans le Village de la Petite-Rivière- Saint-François 1941. Les paysages permettent une véritable promenade en nature ou dans la ville, plus rarement à la mer, par exemple à Percé avec Rita Mount vers 1923, une huile aux transparences lumineuses d’aquarelle, ou encore dans le Paysage de Charlevoix de Jean Paul Lemieux 1935. Ce coin lumineux de l’exposition, avec ses cadres d’époque, où l’air circule, fait face aux scènes urbaines verticales d’Adrien Hébert. Les 700 œuvres aujourd’hui exposées regroupent peintures et sculptures, jouxtant des pièces d’orfèvrerie superbes, de mobilier et d’arts graphiques et photographiques qui élargissent le champ de la créativité. Libérer Célébrée trois jours avant la réouverture du Musée, la commémoration de l’armistice de 1918 rappelait à notre mémoire le contexte historique de cette première moitié du 20e siècle deux guerres mondiales et le temps d’une paix fissuré par la crise économique des années 1930 et la montée de l’hitlérisme. Si les artistes partis faire leur grand tour » en Europe rentrent au pays dès le début des conflits, les Européens traversent l’Atlantique et contribuent à l’écroulement des vieux décors entretenus par les académies et les institutions. Brandtner a quitté l’Allemagne à la fin des années 1920. Sa connaissance étendue des mouvements avant-gardistes européens fait rapidement de lui un passeur d’art moderne dans son réseau. […] Pacifiste et socialement engagé, il prend régulièrement pour sujet le travail des ouvriers qui fabriquent armes et munitions, en plus de peindre l’inquiétude et l’horreur3 » qu’il connaît intimement depuis 1914-1918. Il les exprime dans ses xylographies de style expressionniste allemand Guerre, 1942, comme Ernst Neumann dans ses lithographies Chômeur no 4, 1933. Les peintres juifs de Montréal4 ont toutes raisons de traduire l’angoisse qui domine les années de guerre. Dans la peinture allégorique Front intérieur 1940, Harry Mayerovitch s’interroge sur la pertinence de l’art dans un monde à feu et à sang, sur le rôle des revendications exprimées dans les manifestes, rôle apparemment dérisoire dans un tel contexte, sur leur valeur quand tout est démoli, anéanti, pulvérisé. À de tels doutes existentiels, Marie-Alain Couturier répond liberté, espérance, lutte. Si Revendiquer » devient le mot d’ordre choisi pour caractériser la période après Croire », Devenir », Ressentir », Imaginer », appliqués aux périodes antérieures, Libérer » aurait été plus englobant sur tous les plans libération des peuples opprimés, des artistes sous la férule académique, des femmes sous le joug paternaliste. Il faut avoir l’âme chevillée au corps pour lutter comme le père Couturier l’a fait pendant les quatre années que dure son exil en Amérique au cours de la Seconde Guerre mondiale, par prédilection au Canada français ». Il nous laisse le monumental témoignage de son espérance avec cette Pentecôte 1944 qui nous attire irrésistiblement vers le fond de la salle 4. Le tableau restauré, peint originellement dans le chapitre du monastère des Dominicains qui fait place aujourd’hui au Pavillon Pierre Lassonde du Musée, est une complète découverte pour le public. Commencée aux premiers jours d’avril et terminée vraisemblablement en juillet 1944, La Pentecôte se présentait, avant sa restauration, dans un long format horizontal de 152 cm sur 397 cm, divisé en deux parties quasi égales, selon un axe vertical habité par la Vierge assise au milieu de douze figures parmi lesquelles une seconde femme. Linterprétation de Couturier reste ici fidèle aux textes des Évangiles et à la tradition chrétienne, et est traitée sous le signe du Greco revisité par le cubisme. L’artiste gomme les courbes et accentue les plis, soulignant les volumes anguleux qui confèrent aux apôtres la spatialité quasi sculpturale de statues assises sur un socle cubique. La partie centrale présente des accords de couleurs très hardis, dans la juxtaposition du bleu de Prusse et du rose intense, de l’orangé et du magenta auréolés de jaunes et de rouges, avec des blancs très crus. La remarque formulée en juillet 1929, dans une lettre à monseigneur Maurault par le jeune Paul-Émile Borduas, quand il rencontre Couturier sur le chantier de Chaillon en France, revient en mémoire Ce n’est pas la composition qui me plaît le plus, c’est l’harmonie des couleurs et son dessin5 ». La composition triangulaire et en trios révèle la Trinité dans la présence de l’Esprit, par les flammèches et le vent violent qui frappent l’assistance de stupeur. Ces manifestations surnaturelles ont lieu à la Pentecôte, c’est-à-dire cinquante jours après Pâques. Une notice de 1996 explique les circonstances du don de cette œuvre majeure aux Dominicains de Québec Cette peinture du Fr. Couturier, nous fut offerte par son Exc. Mgr. Réginald Duprat, en 1944. À l’origine cette peinture était marouflée dans l’ancienne salle du chapitre, qui, à l’époque [allait] jusqu’au mur de la sacristie actuelle. » Une indication manuscrite en marge signale que Madeleine Pratte, de Québec, a posé pour le personnage de Marie. Il est heureux que cette œuvre ait trouvé sa place au Musée national des beaux-arts du Québec, parmi des sculptures religieuses épurées et modernes comme les voulait le père Couturier, entre un tableau de Borduas et des œuvres d’Ozias Leduc, portes de retable suspendues à un panneau de verre et dessins précieusement exposés en vitrine. Aussi vertical que Pentecôte est horizontal, le Saint Jean de Dieu de Jean Dallaire 1950 est une peinture en trompe-l’œil de tapisserie on pense à Jean Lurçat qui éclaire de l’intérieur et perce le mur comme une veduta. Cette section remarquable montre que la spiritualité et l’art sacré renouvelé peuvent intégrer les préoccupations esthétiques de l’art moderne, jusqu’à l’abstraction, ce que Couturier découvre à Montréal6. Dans son introduction au magazine- catalogue d’exposition, la commissaire Anne- Marie Bouchard pose avec impatience la question essentielle Sommes-nous condamnés à réécrire sans cesse la même Histoire ? » Qu’elle se rassure plus qu’un simple réaménagement de la collection, son travail de quatre années produit une exposition qui nous sort des sentiers battus, rafraîchit le regard de perspectives éclairantes, et renoue intelligemment avec le plaisir de l’art. 1 Anne-Marie Bouchard, 350 ans de pratiques artistiques au Québec magazine-catalogue d’exposition, Québec Musée national des beaux-arts du Québec, 2018, p. 43. 2 Charles Baudelaire, à propos de l’œuvre d’Eugène Delacroix. 3 Anne-Marie Bouchard, Fritz Brandtner », op cit., p. 50. 4 Maurice Gagnon, en 1941, alors que l’antisémitisme fait rage, regroupe ces artistes dans une catégorie spécifique, ce qui indigne Marie-Alain Couturier. Cette distinction perdure aujourd’hui. 5 Paul-Émile Borduas, lettre du 17 juillet 1929 à monseigneur Olivier Maurault, dans Écrits II, Montréal, Presses de l’Université de Montréal, 1997, p. 118. 6 Voir aussi Monique Brunet-Weinmann, Le père Marie-Alain Couturier », dans Anne-Marie Bouchard, op. cit., p. 51, et son livre Le Souffle et la flamme Marie-Alain Couturier au Canada et ses lettres à Louise Gadbois, Québec, Septentrion, 2016.

PrésentéExpositions 2018 Au Musee Des Beaux Arts De Tours Val De Loire Nos équipes mettent tout en œuvre pour faciliter et fluidifier votre accueil. Pour les enfants de 12 à 17 ans la présentation du pass sanitaire ne s'appliquera qu'à partir du 30 septembre. Ajouter à mon agenda : 17 mars au 17 juin 2012. Son et lumière à 22h45 en juillet ouverture des portes du

Didier Lapène présente ses toiles au Musée des Beaux-Arts de Quimper jusqu’au 3 octobre. Intitulée Un belvédère sur la mer », l’exposition fait la part belle aux œuvres réalisées par ce peintre du paysage et du à Camaret qu’il a posé son chevalet, près de la pointe du Toulinguet, face au rocher du Lion et aux ruines du château du poète Saint Pol Roux. Ancien élève de l’École nationale des Beaux-Arts de Paris, l’artiste a bénéficié d’un séjour à la prestigieuse Casa Velasquez à Madrid. Il a développé une approche du paysage originale, libérée des contingences formelles de notre époque, commente Guillaume Ambroise, conservateur du musée. Renouant avec l’ambition des artistes abonnés au pleinairisme, il pose son chevalet devant le motif et décline en de multiples études les vastes panoramas qu’il ambitionne de décrire ».De la côte basque à la Bretagne, Didier Lapène transfigure la réalité du paysage, recherchant, selon la formule de Cézanne, "La petite sensation" », dit encore le et lumièreDidier Lapène confie être arrivé à Camaret, dans ce lieu chanté par le poète » et d’y avoir planté son chevalet. Presque instinctivement, il a posé sur la toile les bleus, les gris et l’infinie transparence de la mer. La légèreté d’un nuage et le vert émeraude de la campagne avoisinante se sont unis. Dans ses grands ou plus petits-formats, ce rocher célèbre, nommé le Lion, semble veiller sur une mer mouvante. Le peintre aime jouer avec la lumière, celle qui donne du relief et de la transparence à une falaise. Sous son pinceau, ces rochers que l’on croyait menaçants se parent d’une incroyable douceur. À leur pied, les vagues roulent doucement. L’artiste sait faire régner ici une douce harmonie. Chaque spectateur est dans ma toile »Volontairement, il livre des paysages marins vides d’humain. Chaque spectateur est dans ma toile », puis, délaissant le paysage marin, voici que sur l’une des toiles, la tour Vauban qui se dresse fièrement. À deux pas, voici la chapelle Rocamadour, célèbre pour ses ex-voto. Il peint aussi Roscoff, sa jetée, à marée haute, à marée basse. Puis revient à ce petit coin de Camaret qu’il affectionne. Un jour, la brume est là et le paysage se transforme. Une autre fois, il peint des falaises aux formes quelque peu cubistes et voici que la mer s’agite, que les bruns supplantent les bleus. Didier Lapène joue avec sa palette, rendant la visite de son exposition tellement vivante. La peinture du paysage est toujours d’actualité », conclura Guillaume Ambroise. Didier Lapène le démontre ardemment dans son 30 octobre au Musée des Beaux-Arts de Quimper. Visites guidées, animations pour le jeune public à découvrir sur oumbaqofficiel.

Grandtour à Rome au temps des Lumières Musée des Beaux Arts, 12 mars 2022, Orléans. Grand tour à Rome au temps des Lumières Musée des Beaux Arts, le samedi 12 mars à 15:00 « Il est des jours où la beauté seule du climat de Rome suffit au bonheur » (Stendhal) . A l’époque du grand Tour, les visiteurs venus de toute l’Europe ont

Saturday, Mai 22, 2021 - 1712 ********* ********** ** ****** *** ** ******** *** ******* ********** **** *** *********** ** ******* *** ********** *** *********** **** ** ***** ** ***** ** ********** ** *** ******* *** ******* *** *********** **** ***** **** *** ******* ** ******** *** ******** ********* ** ***** * ***** ***** ********** ********** ********* *** ******* **** ******* ** ****** ********** **** ** ****** ************************ ** ****** ***** *********** *********** ** ***** ********* ***** ** *** ****** *********** ****** **** **** ******* ************* ****** ** ******** ** ******* *** *********** **** ** ***** ****** ** ********** ** ****** *** ********** ** ******** *** **** ******* ** ****** ********** **** ********* **** ******* ** ** ****** ******** ******** ******** ******************* *** ***** ******** ** ****** *** ******* ******** *** ** ***** ********** ** ******* ************ ******** ****** ** ****** ******** *********** ******** ********** ** ******** ** *********** ********* ** ******** ********** ******** ***** ******** ******** ** ****** ** ************ ********* *********** ******** ** ****** ******** ***** **** ****** ********** ******* ********** ************ **** ** ***** ** ***** ******************* ********* ** ************* **** ** ******* *** **** ******* **** ********** ************** *********** ** ******** ** ********** ** ***** ** *********** ***** **** ************ ******* ***** ** **** ** ***** ** ***** ******* ***** ** *********** ** ****** **** ******* ********** ************ **** ** ***** ** ***** *********** ********** ********** ** ********** ************ ** ***** ****************** **************************************** Accueils de loisirs sans hébergement (centres de loisirs) ou avec hébergement (séjours, colonies) de Tours et Tours Métropole - Etudiants détenteurs du PCE (Passeport Culturel Etudiant) - Elèves des écoles des Beaux-Arts et étudiants en Histoire de l'Art - Elèves de l'école du Louvre - Personnes inscrites à l'école de la 2° chance Installé dans l’ancien palais des archevêques, le musée possède des collections d’une richesse et d’une variété remarquables, notamment une exceptionnelle série de primitifs italiens, groupés autour des deux joyaux que sont les Mantegna du retable de l’église San Zeno de Vérone. Au premier rang de ces chefs-d’oeuvre figurent les peintures de Rubens, Rembrandt, Le Sueur et Philippe de Champaigne, Nattier, Lemoyne, Boucher, Perronneau et Roslin. Disposées pour la plupart dans de magnifiques salons de réception, ces oeuvres évoquent, grâce à la présence d’un riche mobilier, la vie dans un palais au XVIII° s. La peinture dix-neuvième siècle est représentée par l’école néo-classique, le romantisme, l’orientalisme Belly, Chassériau, Delacroix, le réalisme Bastien-Lepage, Cazin, Gervex. L’impressionnisme, le post-impressionnisme et le symbolisme sont présent à travers des oeuvres de Monet, Degas, Henri Martin, Le Sidaner. La collection d’oeuvres du XXème siècle regroupe Asse, Calder, Davidson, Debré, Denis, Zao Wouki.

MUSÉECANTONAL DES BEAUX-ARTS A LUSANNE Dossier de presse Matières en lumière. Sculptures de Rodin à Louise Bourgeois 12.2 – 16.5.2021 Sommaire 1. Communiqué de presse 2. Exposition 3. Images de presse 4. Commentaires de 6 œuvres présentées dans l'exposition 5. Médiation – Service aux publics 6. Librairie-Boutique et Café-Restaurant Le Nabi 7.

^{Un son et lumière sur le musée des Beaux-Arts de juin 2021 à 7h47 par Etienne Escuer Les Nuits Renaissance débutent ce mercredi 30 juin sur la façade du musée des Beaux-Arts de Tours. Les Nuits Renaissance sont de retour, ce mercredi, sur la façade du musée des Beaux-Arts de Tours. Un spectacle son et lumière de 20 minutes est proposé jusqu’au 5 septembre. 13 tableaux différents sont à découvrir, dont trois nouveaux par rapport à la précédente édition. En juillet, le spectacle est projeté tous les soirs à 22h45, puis à 22h15 en août et début septembre. Il est gratuit, mais en raison du contexte sanitaire, il faut réserver sa place en ligne, entre une semaine et 30 minutes avant la représentation. Pour l’instant, la jauge est limitée à 250 personnes, mais elle pourrait évoluer au cours de l’été. Le masque est} Descollections et des expositions temporaires de renom. Construit pour l’Exposition Universelle de 1900, comme son voisin le Grand Palais, le Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris. est devenu un musée de lumière pour les beaux-arts dont il offre un panorama artistique de l'Antiquité au 20e siècle. Les collections antiques et médiévales côtoient les ^{de en it fr es Version en ligne Un parcours allant de l’art médiéval au début de l’art moderne © Ville de Belfort La Tour 41 construite entre 1687 et 1698 fait partie du dispositif de défense imaginé par Vauban. Aujourd’hui, le musée propose une lecture didactique et chronologique des courants artistiques au sein de ses murs. Un espace est également dédié au sculpteur Camille Lefèvre qui a donné son fonds d’atelier et sa collection à la Ville de Belfort. Une section est consacrée actuellement à la sculpture et une autre au photographe André Villers. A propos du lieu La Tour 41 est érigée entre 1687 et 1703 par Vauban pour renforcer le site, nouvelle frontière du royaume de France. Il s’agit d'une tour bastionnée, c’est-à-dire une tour pentagonale faisant saillie sur l’enceinte, avec des chambres de tir permettant de défendre les alentours et de croiser les angles de vue. L’intérêt national des fortifications de Belfort a rendu possible leur classement au titre des Monuments Historiques. Dans cet écrin laissé par Vauban, restauré en 2019, le musée des Beaux-arts propose une lecture didactique et chronologique des courants artistiques présents au sein de ses murs. La collection des Beaux-arts des Musées de Belfort comprend environ 6 900 œuvres d’art illustrant notamment la peinture et la gravure de la fin du XVème siècle en France, Espagne et Allemagne; l’art religieux du XVIIème siècle à travers Rubens et Pourbus; les mutations artistiques du XIXème siècle paysage en plein air, modernisation de l’expression dans le portrait peint et la sculpture. La collection belfortaine est particulièrement riche en arts graphiques et dispose d'une collection d'art contemporain originale, fondée sur la sculpture ou les installations Chevalier ou Collin-Thiébaud. Le visiteur peut découvrir ainsi la richesse de la collection belfortaine, mise en lumière par une signalétique qui offre des clés de lecture. Le musée des Beaux-arts renouvelle chaque année tout ou partie de ses collections afin d’offrir au regard la diversité du patrimoine local. Accès Nombreuses places de stationnement à accessibles aux handicapés. c Philippe Martin / Mairie de Belfort 0384542551 Faire une demande de modification du lieu} Paintings The museum’s collection of paintings reveals much about the grand moments of Western art, from Middle Ages to modern art. Rubens, Fragonard, Géricault, Delacroix, Manet, Monet, Gauguin, Picasso or Matisse : the great masters are L'exposition sur l’œuvre d'Emile Friant au Musée des Beaux Arts étant finie depuis maintenant deux mois, vous pouvez toujours aller admirer l'un de ses tableaux les plus emblématiques, dépôt du Musée d'Orsay "La Toussaint", présenté et récompensé au Salon de 1889. Émile Friant, considéré comme le dernier naturaliste, propose avec cette huile sur toile de 250 x 334 cm peinte en 1888, sa vision d'un moment célébré chaque année pour honorer les disparus la Toussaint. Le tour de force technique que représentent les grandes plages de blanc et de noir où le peintre fait jouer de multiples variations lui valut un succès immédiat. Vêtus de noir, une fillette, deux femmes, un homme et jeune femme semblent se hâter, les bras chargés de chrysanthèmes. Au-delà des grilles du cimetière de "Préville", de nombreuses silhouettes, toutes vêtues de sombre, constituent le cortège qui va célébrer ses morts. Ce deux femmes seraient-elles de la même famille ? On peut l'imaginer. La fillette, en tête du cortège, arbore un chaperon noir en guise de couvre-tête d'où s'échappe une belle tresse. Avec son chapeau haut-de-forme, sa canne coincée sous son avant-bras gauche et sa foisonnante moustache, l'homme suit le mouvement des femmes de sa famille. La jeune femme porte un gros pot de chrysanthème ; il doit être pesant ! Adossé au pilier d’une des portes d'entrée du cimetière, un aveugle emmitouflé, les jambes sous une couverture et le tête couverte d'une capuche, implore la charité des passants, pancarte posée contre son torse et gobelet dans ses mains. _____________________ Copyright - Olivier PETIT - Patrimoine de Lorraine - 2017 © Tous droits réservés

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